Le raccoglitrici di nuvole

In un'atmosfera che suggerisce purezza, spiritualità e nostalgia per un sentire lontano, quest'opera nasce con un richiamo all'arte preraffaelita,  in particolare a quella del pittore inglese Frederic Leighton (1830-1896).

Figure idealizzate sembrano appartenere a una dimensione “fuori dal tempo”, irreale  e magica. Sono un'allegoria, un racconto dalle note fantastiche, certamente, ma al tempo stesso quelle figure sono portatrici di un messaggio concreto. L'azione di raccogliere le nuvole, di stringere fra le dita qualcosa di inafferrabile, qualcosa che non ha corpo, suggerisce il desiderio di riappropriarsi di tutti gli aspetti intangibili della dimensione umana. Fenomeni difficili da decifrare, come le emozioni e i sentimenti, che tuttavia definiscono e completano la nostra identità.

In un periodo storico che ci vede lontani dall'essenzialità, persi in un vortice perpetuo di superfluo, il linguaggio empatico delle emozioni mantiene viva la speranza  di un legame con la nostra natura più autentica. Quindi con noi stessi. Ma non solo: rinsalda il  contatto vitale e nutriente con gli altri esseri viventi e con il luogo che ci ospita.

Mentre l'utilizzo dell'oro indica la “preziosità” dell'azione e di ciò che le figure rappresentano, la realizzazione del paesaggio a fusaggine riporta a qualcosa che proviene da lontano, essendo il carboncino uno dei più antichi strumenti di disegno conosciuti. Un contrasto in cui i due elementi non si escludono a vicenda ma, al contrario, si fortificano vicendevolmente.

Piccola nota: la scelta di due tonalità differenti di carta non è casuale. Bianco panna per i due fogli laterali e bianco ghiaccio per quello centrale, così da influenzare la percezione dell’osservatore, indirizzando (anche involontariamente) il suo sguardo al centro della scena . Lì, direttamente al focus della rappresentazione.

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In an atmosphere that suggests purity, spirituality and a longing for a distant feeling, this work is inspired by Pre-Raphaelite art, particularly the works of the English painter Frederic Leighton (1830-1896).

Idealized figures seem to belong to a dimension “outside of time,” unreal and magical. They are an allegory, a tale with fantastic notes, certainly, but at the same time, these figures carry a concrete message. The action of gathering clouds, of holding something elusive between one's fingers - something without form - suggests the desire to reclaim all the intangible aspects of the human experience. Phenomena that are difficult to decipher, like emotions and feelings, which nevertheless define and complete our identity.

In a historical period where we are far removed from essential values, lost in excess, this work keeps alive the hope of a connection to our truest nature. And, therefore, to ourselves. But not only that: it strengthens the vital and nourishing bond with other living beings and with the place that hosts us.

While the use of gold indicates the “preciousness” of the action and what the figures represent, the depiction of the landscape in fusaggine (charcoal) evokes something ancient, as charcoal is one of the oldest known drawing tools. A contrast in which the two elements do not exclude each other, but, on the contrary, strengthen each other mutually.

A small note: the choice of two different shades of paper is not accidental. Cream white for the two side panels and ice white for the central one, influencing the viewer’s perception and subtly (perhaps unknowingly) directing their gaze to the center of the scene. There, directly at the focal point of the representation.

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In einer Atmosphäre, die Reinheit, Spiritualität und die Sehnsucht nach einem fernen Empfinden suggeriert, entsteht dieses Werk mit einem Bezug zur präraffaelitischen Kunst, insbesondere zu jener des englischen Malers Frederic Leighton (1830–1896).

Idealisiert dargestellte Figuren scheinen einer „zeitlosen“, unwirklichen und magischen Dimension anzugehören. Sie sind eine Allegorie, gewiss eine Erzählung mit fantastischen Nuancen, doch zugleich tragen diese Figuren eine konkrete Botschaft in sich.

Die Handlung, die Wolken zu sammeln, etwas mit den Fingern zu greifen, das nicht zu fassen ist, etwas ohne Körper, deutet auf das Verlangen hin, sich alle immateriellen Aspekte der menschlichen Dimension zurückzuerobern. Phänomene, die schwer zu entschlüsseln sind – wie Emotionen und Gefühle –, die jedoch unsere Identität prägen und vervollständigen.

In einer historischen Phase, in der wir weit von der Wesentlichkeit entfernt sind, verloren in einem stetigen Strudel des Überflüssigen, erhält die einfühlsame Sprache der Emotionen die Hoffnung aufrecht, eine Verbindung zu unserer authentischsten Natur zu wahren. Somit also zu uns selbst. Aber nicht nur: Sie stärkt auch den lebenswichtigen und nährenden Kontakt zu anderen Lebewesen und zu dem Ort, der uns beherbergt.

Während die Verwendung von Gold auf die „Wertigkeit“ der Handlung und dessen, was die Figuren repräsentieren, hinweist, verweist die mit Zeichenkohle ausgearbeitete Landschaft auf etwas, das aus der Ferne stammt, da Kohle eines der ältesten bekannten Zeichenwerkzeuge ist. Ein Kontrast, bei dem sich die beiden Elemente nicht gegenseitig ausschließen, sondern im Gegenteil einander wechselseitig stärken.

Ein kleiner Hinweis: Die Wahl zweier unterschiedlicher Papierfarbtöne ist nicht zufällig. Cremeweiß für die beiden äußeren Blätter und Eisweiß für das mittlere, um die Wahrnehmung des Betrachters zu beeinflussen und (auch unbewusst) seinen Blick in die Mitte der Szene zu lenken – genau zum Fokus der Darstellung.

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